La semana anterior decíamos que había des métodos de hacer
figuras:
1.
Imagen icónica: partiendo de figuras ya cerradas
y creadas.
2.
Basado en el tanteo: se parte de un movimiento
en el que aparece una madeja de líneas que es el fondo generativo, del que
surge la figura.
El objetivo en ambos métodos es el mismo: crear figuras.
Por ejemplo:
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| Boceto de Miguel Ángel. (Imagen I) |
Se accede a la imagen final a través de un
conjunto de líneas como realizó Miguel Ángel. (Imagen I)
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| Garabato.(Imagen II) |
El trazo se produce por el placer de
dibujar explorando la motricidad de su propio cuerpo (Imagen II)
En cierto momento, surge de esos garabatos figuras, esas
figuras comienzan a ser nombradas por los creadores como árbol, casa, perro… referencias
en el mundo real y la sociedad les va educando en mejorar esa percepción del
perro, del árbol… hasta crear imágenes icónicas y, en consecuencia, abandonando
ese placer para llegar al aumento de frustración al representar esas imágenes.
Por tanto, nuestro objetivo es:
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Por un lado, volver a la niñez: en sentido
inverso para que sea más fácil de aceptar por nuestra racionalidad este
proceso. Es decir:
El niño sigue el siguiente proceso:
GARABATOS -> PRODUCIR FIGURAS.
Nuestra formación: PRODUCIR FIGURAS ->
TANTEAR.
A través del Arte Bruto de Jean Dubuffet,
Basquiat y otros. Pero también de Miguel
Angel, Leonardo, de Kooning, etc. Para ello, crearemos nuevas figuras por medio
de “fondos generativos” de los que surgirá la nueva figuración.
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Por otro lado, encauzar nuestra formación hacia
el movimiento moderno actual.
El proceso que hemos seguido ha sido de dos vías: crear la
figura desde un principio (Retratos I, II y III) y, a la inversa, crear el
fondo para que aparezca la figura (Cuadro de acrílicos)
Evolución de la pintura hasta llegar a Matisse. Con el Renacimiento en el treccento, se comienza a producir espacios profundos, en el arte Bizantino, no hay espacios profundos sino que salen de la pared, produciendo figuras doradas para referirlas como algo sagrado, aun continua en el Renacimiento. Se inicia la ilusión del volumen.
Usando la perspectiva puede dar imágenes de control racional. Como Tiziano, Caravaggio, Rembrandt…. La figura comienza a romperse con la luz y en la oscuridad como los dos últimos pintores. Se construye la figura y se desvanece con la luz y la oscuridad del fondo. Con el impresionismo fue un movimiento que experimentó con el color, dibuja científicamente la realidad, y rompe la silueta no dibuja limite sino que crea una ruptura de fondo figura.
EL Greco produce una ruptura de la figura fondo en el
espacio tiempo, fue un adelantado de su tiempo.
El aspecto psicológico del Renacimiento es provocar la tranquilidad mientras que el Barroco al no ser una imagen
fiel de la realidad es opuesto a esa tranquilidad, es el paso de lo concreto a lo inconcreto. No obstante, esto se cntradice, porque realmente lo que se ciñe a la percepción es que eL ser humano no percibe el mundo racionalmente sino es perspectiva, porque si no acabaríamos muy cansados de ver y de comprender todo lo que vemos.
Carácter dinámico de la cultura, el carácter cultural dura un tiempo y luego cambia adaptándose a
los avances y al proceso evolutivo de la sociedad. En cuanto cambian las
circunstancias cambian los cánones de la cultura. Por eso hay que aprender a
dibujar pero aprendiendo la historia.
Trabajaremos con Matisse que nació en Le Cateau-Cambrésis (norte de Francia), en
1869, en el seno de una familia de comerciantes. Aunque estudió Derecho,
durante una enfermedad empezó a pintar, convirtiendo esta afición en su
profesión.
Se instaló en París donde ingresó en la Escuela de Bellas
Artes recibiendo lecciones del simbolista Moreau y copió obras clásicas del
Louvre. Sus primeras obras son impresionistas, y después puntillista por
influencia de Signac. Matisse tras la
experiencia en el mundo de los pintores fovistas a partir de 1907 estableció un
“diálogo” con Picasso y el cubismo y se acercó a una reducción esencial de los
contornos y descompuso la figura humana partiendo de líneas geométrica, pero
mantuvo intacto el gusto por el color luminoso, por la evocación de un ambiente
y por el sentido decorativo.
En Moscú, en 1911, se ocupó de colocar sus pinturas en las
colecciones rusas y contribuyó al desarrollo de las vanguardias rusas.
LA HABITACIÓN ROJA que él llamó Armonía en rojo
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| "La habitacion roja."1908.Henri Matisse(1869-1954) Óleo sobre lienzo. Hermitage |
Se representa un comedor donde todos los elementos que
forman la pintura se subordinan al color puro e intenso. Predomina el rojo, uno
de los preferidos de Matisse, y se puede observar que utiliza el color de forma
subjetiva (pelo naranja, copa de árbol blanca, vino amarillo No hay volumen.
Son espacios planos, el espacio olvida la perspectiva totalmente bidimensional,
llegando incluso a que la decoración y el color del mantel y la pared sea
igual, hasta confundirse ya que prescinde de las diferencias de tonalidad, de
sombras o claroscuro para el interior. La obra fue realizada para un
coleccionista ruso, y se había realizado originalmente en azul y verde, pero a
Matisse no le gustó y lo repintó en rojo.
Al principio del s.XX el mundo de la pintura se encontraba
en una fase de agotamiento. El Impresionismo ya se consideraba algo antiguo, y
los postimpresionistas, que habían iniciado trayectorias nuevas, o habían
muerto (Van Gogh) o se habían refugiado en particularismos.
En la pintura tradicional se había logrado casi todo. A
principios del s.XX los jóvenes pintores querían llegar a algo nuevo y buscar
nuevas formas de expresión y divulgación de su obra. Esto implicaba la
necesidad de un ambiente de libertad para buscar normas, conceptos,
técnicas..., es decir libertad de creación.
París, desde finales del s.XIX, se había convertido en un
espacio de libertad y alegría que permitía el contacto entre artistas, y
facilitaba la germinación de diferentes movimientos pictóricos, los llamados
"ismos", como el fovismo o el cubismo. En este ambiente se inaugura
en 1905 el III Salón de Otoño, donde expondrán en una de sus salas los que
serán denominados fovistas.
Con el modelo de Matisse podemos acceder al cubismo que e |
| "Retrato de su mujer"Henri Matisse(1869-1954) Óleo sobre lienzo. Hermitage |
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Una colores complementarios, creando un sistema
de colores que se contraponen formando el triangulo de colores, o sistema
cromático.
Dentro del circulo cromático, se encuentran los tres colores
primarios rojo, azul y amarillo formando un triangulo equilátero, luego están
presentes los tres colores secundarios naranja, violeta y verde están ubicados
entro lo tonos primarios y forman otro triángulo.
Otra forma de dividir los colores es en cálidos y fríos. Los
colores cálidos dan sensación de actividad, de alegra, de dinamismo, de
confianza y amistad. Estos colores son el amarillo, el rojo, el naranja y el
purpura en menor medida. Los colores fríos dan sensación de tranquilidad, de
seriedad, de distancia miento. Colores de este tipo son el azul, el verde, el
azul verdoso, el violeta, cian, agua, y a veces el celeste. Un color azul
acuoso es perfecto para representar superficies metálicas. Verdes oscuros
saturados expresan profundidad.
Los complementarios están en las diagonales. Si se mezclan
dos colores opuestos o complementarios mediante la mezcla sustractiva se
obtiene el NEGRO. Si se mezclan de modo partitivo, se obtiene el GRIS.
Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera que un
mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla asociado a su
complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos para llamar la atención y
para proyectos donde se quiere un fuerte impacto a través del color.
Es una geometría la que organiza todo el circulo cromático.
Hay un truco para comprobar cual
es el complementario: mirar fijamente un color, luego ver el fondo blanco, y se
percibe ese color.
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| "EL retrato de señora con sombrero" Henri Matisse(1869-1954) Óleo sobre lienzo. Hermitage |
El modelo que usamos para el ejercicio de pintar un retrato de un compañero de clase según el estilo de Matisse fue "El retrato de su mujer" que provocó una revuelta en su tiempo por los colores que utilizó.
El resultado de crear un boceto y el posterior acabado en acrílico fue el siguiente. Una mezcla de colores agresivos y llenos de vida.
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| Boceto inicial. |
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| Resultado final con acrílicos. |
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