Elaboración de fondos generativos.

A través de los fondos deben surgir las figuras.
    - Con rotuladores, en Din A4.


Fondo generativo una capa.

Fondo generativo una capa y la figura.

  - Con carboncillo, rotulador negro y pinturas de palo en tamaño A4.

Fondo generativo dos capas
(madeja de bandas y madeja de líneas)

Fondo geneativo dos capas y figura.

 -Con pasteles, tizas y carboncillo, en tamaño A4.





Fondo generativo tres capas
(colores primarios, secundarios y madeja de líneas blancas)



Fondo generativo tres cpas y figura.

Semana 6.

 

La semana anterior decíamos que había des métodos de hacer figuras:

1.       Imagen icónica: partiendo de figuras ya cerradas y creadas.

2.       Basado en el tanteo: se parte de un movimiento en el que aparece una madeja de líneas que es el fondo generativo, del que surge la figura.

El objetivo en ambos métodos es el mismo: crear figuras.

Por ejemplo:

Boceto de Miguel Ángel. (Imagen I)

Se accede a la imagen final a través de un conjunto de líneas como realizó Miguel Ángel. (Imagen I)

Garabato.(Imagen II)  

El trazo se produce por el placer de dibujar explorando la motricidad de su propio cuerpo (Imagen II)

En cierto momento, surge de esos garabatos figuras, esas figuras comienzan a ser nombradas por los creadores como árbol, casa, perro… referencias en el mundo real y la sociedad les va educando en mejorar esa percepción del perro, del árbol… hasta crear imágenes icónicas y, en consecuencia, abandonando ese placer para llegar al aumento de frustración al representar esas imágenes.

Por tanto, nuestro objetivo es:

-          Por un lado, volver a la niñez: en sentido inverso para que sea más fácil de aceptar por nuestra racionalidad este proceso. Es decir:

El niño sigue el siguiente proceso: GARABATOS -> PRODUCIR FIGURAS.

Nuestra formación: PRODUCIR FIGURAS -> TANTEAR.

A través del Arte Bruto de Jean Dubuffet, Basquiat  y otros. Pero también de Miguel Angel, Leonardo, de Kooning, etc. Para ello, crearemos nuevas figuras por medio de “fondos generativos” de los que surgirá la nueva figuración.

 

-          Por otro lado, encauzar nuestra formación hacia el movimiento moderno actual.

El proceso que hemos seguido ha sido de dos vías: crear la figura desde un principio (Retratos I, II y III) y, a la inversa, crear el fondo para que aparezca la figura (Cuadro de acrílicos)

Evolución de la pintura hasta llegar a Matisse.
Con el Renacimiento en el treccento, se comienza a producir espacios profundos, en el arte Bizantino, no hay espacios profundos sino que salen de la pared, produciendo figuras doradas para referirlas como algo sagrado, aun continua en el Renacimiento. Se inicia la ilusión del volumen.
Usando la perspectiva puede dar imágenes de control racional. Como Tiziano, Caravaggio, Rembrandt…. La figura comienza a romperse con la luz y en la oscuridad como los dos últimos pintores. Se construye la figura y se desvanece con la luz y la oscuridad del fondo. Con el impresionismo fue un movimiento que experimentó con el color, dibuja científicamente la realidad, y rompe la silueta no dibuja limite sino que crea una ruptura de fondo figura.

EL Greco produce una ruptura de la figura fondo en el espacio tiempo, fue un adelantado de su tiempo.

El aspecto psicológico del Renacimiento es provocar la tranquilidad  mientras que el Barroco al no ser una imagen fiel de la realidad  es opuesto a esa tranquilidad, es el paso de lo concreto a lo inconcreto. 
No obstante, esto se cntradice, porque realmente lo que se ciñe a la percepción es que eL ser humano no percibe el mundo racionalmente sino es perspectiva, porque si no acabaríamos muy cansados de ver y de comprender todo lo que vemos.

Carácter dinámico de la cultura, el carácter cultural  dura un tiempo y luego cambia adaptándose a los avances y al proceso evolutivo de la sociedad. En cuanto cambian las circunstancias cambian los cánones de la cultura. Por eso hay que aprender a dibujar pero aprendiendo la historia.

Trabajaremos con Matisse que  nació en Le Cateau-Cambrésis (norte de Francia), en 1869, en el seno de una familia de comerciantes. Aunque estudió Derecho, durante una enfermedad empezó a pintar, convirtiendo esta afición en su profesión.

Se instaló en París donde ingresó en la Escuela de Bellas Artes recibiendo lecciones del simbolista Moreau y copió obras clásicas del Louvre. Sus primeras obras son impresionistas, y después puntillista por influencia de Signac.  Matisse tras la experiencia en el mundo de los pintores fovistas a partir de 1907 estableció un “diálogo” con Picasso y el cubismo y se acercó a una reducción esencial de los contornos y descompuso la figura humana partiendo de líneas geométrica, pero mantuvo intacto el gusto por el color luminoso, por la evocación de un ambiente y por el sentido decorativo.

En Moscú, en 1911, se ocupó de colocar sus pinturas en las colecciones rusas y contribuyó al desarrollo de las vanguardias rusas.

LA HABITACIÓN ROJA que él llamó Armonía en rojo

"La habitacion roja."1908.Henri Matisse(1869-1954)
Óleo sobre lienzo. Hermitage

Se representa un comedor donde todos los elementos que forman la pintura se subordinan al color puro e intenso. Predomina el rojo, uno de los preferidos de Matisse, y se puede observar que utiliza el color de forma subjetiva (pelo naranja, copa de árbol blanca, vino amarillo No hay volumen. Son espacios planos, el espacio olvida la perspectiva totalmente bidimensional, llegando incluso a que la decoración y el color del mantel y la pared sea igual, hasta confundirse ya que prescinde de las diferencias de tonalidad, de sombras o claroscuro para el interior. La obra fue realizada para un coleccionista ruso, y se había realizado originalmente en azul y verde, pero a Matisse no le gustó y lo repintó en rojo.

Al principio del s.XX el mundo de la pintura se encontraba en una fase de agotamiento. El Impresionismo ya se consideraba algo antiguo, y los postimpresionistas, que habían iniciado trayectorias nuevas, o habían muerto (Van Gogh) o se habían refugiado en particularismos.

En la pintura tradicional se había logrado casi todo. A principios del s.XX los jóvenes pintores querían llegar a algo nuevo y buscar nuevas formas de expresión y divulgación de su obra. Esto implicaba la necesidad de un ambiente de libertad para buscar normas, conceptos, técnicas..., es decir libertad de creación.

París, desde finales del s.XIX, se había convertido en un espacio de libertad y alegría que permitía el contacto entre artistas, y facilitaba la germinación de diferentes movimientos pictóricos, los llamados "ismos", como el fovismo o el cubismo. En este ambiente se inaugura en 1905 el III Salón de Otoño, donde expondrán en una de sus salas los que serán denominados fovistas.

Con el modelo de Matisse podemos acceder al cubismo que es el movimiento cultural fundamental para entender el estilo contemporáneo actual.

Alguna de las características de Matisse  que se aprencian en sus cuadros son:

"Retrato de su mujer"Henri Matisse(1869-1954)
 Óleo sobre lienzo. Hermitage

-          Usa colores vivos, puros, sin mezcla.

-          Una colores complementarios, creando un sistema de colores que se contraponen formando el triangulo de colores, o sistema cromático.

Dentro del circulo cromático, se encuentran los tres colores primarios rojo, azul y amarillo formando un triangulo equilátero, luego están presentes los tres colores secundarios naranja, violeta y verde están ubicados entro lo tonos primarios y forman otro triángulo.

Otra forma de dividir los colores es en cálidos y fríos. Los colores cálidos dan sensación de actividad, de alegra, de dinamismo, de confianza y amistad. Estos colores son el amarillo, el rojo, el naranja y el purpura en menor medida. Los colores fríos dan sensación de tranquilidad, de seriedad, de distancia miento. Colores de este tipo son el azul, el verde, el azul verdoso, el violeta, cian, agua, y a veces el celeste. Un color azul acuoso es perfecto para representar superficies metálicas. Verdes oscuros saturados expresan profundidad.

Los complementarios están en las diagonales. Si se mezclan dos colores opuestos o complementarios mediante la mezcla sustractiva se obtiene el NEGRO. Si se mezclan de modo partitivo, se obtiene el GRIS.

Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla asociado a su complementario. Estos contrastes son, pues, idóneos para llamar la atención y para proyectos donde se quiere un fuerte impacto a través del color.

Es una geometría la que organiza todo el circulo cromático.

Hay un truco para comprobar cual es el complementario: mirar fijamente un color, luego ver el fondo blanco, y se percibe ese color.

"EL retrato de señora con sombrero" Henri Matisse(1869-1954)
 Óleo sobre lienzo. Hermitage

El modelo que usamos para el ejercicio de pintar un retrato de un compañero de clase según el estilo de Matisse fue "El retrato de su mujer" que provocó una revuelta en su tiempo por los colores que utilizó.   

 

 

 

 

El resultado de crear un boceto y el posterior acabado en acrílico fue el siguiente. Una mezcla de colores agresivos y llenos de vida.

Boceto inicial.
 

Resultado final con acrílicos. 

 





Semana 5.

Esta semana comenzamos con un nuevo tema: LA PRODUCCION DE FIGURAS TRIDIMENSIONALES ABSTRACTAS con el que podemos desembocar en dos categorías:

1. Copia fiel de la realidad.

2. La imaginación o Arte bruto: Este concepto de Art Brut fue concebido por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la razón; el interés de Dubuffet se dirigía especialmente hacia las manifestaciones artísticas llevadas a cabo por pacientes de hospitales psiquiátricos.

El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet (1901 - 1985) para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico. Dubuffet comenzó a reunir una colección de esta clase de obras y a divulgarlas por medio de exposiones y de publicaciones después de la segunda guerra mundial para sustituir el nombre de: arte de enfermos mentales. El artista rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos".

Fue un pintor y escultor francés de los más famosos de la segunda mitad del siglo XX. Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al cuadro una inusual textura. Dubuffet afirmaba que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan, es decir, estamos sometidos a las conductas sociales establecidas. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, niños,  autodidactas, solitarios o ancianos.

El primer ejercicio que nos propusieron fue realizar un autorretrato, el resultado de mi trabajo fue una simple máscara fría, tal vez se debió a la vergüenza o al miedo de no saber captar del todo la realidad.  


Autorretrato, con tiza blanca.

Luego resultó que los cuadros que eran más irreales y más diferentes, fueron los que más triunfaron a la hora de elegir por nosotros mismos los cuadros que debían ir en el muro de la fama. Como resultado se dio este revestimiento de máscaras: algunas con vida, otras sin vida y otras completamente divertidas.



Muro de la fama,
imagen de http://barrachunky.wordpress.com/category/dai-i/



Lo que no sabíamos es que estos retratos pueden expresarnuestro aspecto físico como nuestro interior.

Después nos mostraron una serie de imágenes completamente diferentes unas de otras.

Las primeras son autorretratos de grandes pintores:

 

Autorretrato de Rembrandt.



Autorretrato de Van Gogh.



Autorretrato de Leonardo da Vinci.
 

Las otras son imágenes pertenecientes a artistas del arte bruto:

 

 

Ahora el nuevo enunciado consiste en crear un autorretrato basado en estas nuevas técnicas. Dando como resultado la siguente pintura:

 

Autorretrato 2, con tizas y pasteles de colores.

Al iniciar no sabes muy bien qué hacer, por eso siempre después de cada nuevo ejercicio nos miramos sorprendidos preguntándonos: ¿Qué es lo que debemos hacer verdaderamente? La respuesta siempre es la misma, el silencio.

Con ello, al posicionarse delante de un papel de esas dimensiones solo cabe hacer lo mismo que haría un niño pequeño, no pensar y pintar, difruntándolo de verdad.

Hasta crear un monstro se cabellos blancos, cara picuda, orejas deformes, ojos bicolor y labios naranjas, escondido detras de una maraña de sepertinas de colores.

Ahora el aspecto del muro es muy diferente e incluso atrae más que el anterior sorprendentemente.

 

 



Muro de la fama,
imagen de http://barrachunky.wordpress.com/category/dai-i/

 

Para concluir el tema del retrato debíamos hacerlo acentuando aún más esas imágenes expustas esas facetas de nustro subconsciente que desconocemos, hay que dejarnos llevar por el niño que tenemos dentro.

Este fue el resultado de esos sentimientos:



Autorretraro 3, con tizas de colores y pastel.

 

El tema que trabajamos nos beneficiará en el sentido de que seremos arquitectos, seres que producen figuras envolventes tridimensionales, de manera que potenciará nuestra imaginación y creatividad. Siempre y cuando escojamos el camino de realizar figuras no icónicas. Como afirmé, hay dos posibles  categorías:

1.       El garabato o balbuceo que se trata de la exploración del papel, del mundo.  

2.       Figuras icónicas: los garabatos de olvidan y se van creando figuras que se ciñen a la realidad es decir icónicas, por ejemplo: un perro, una casa, a papá…

Hay que retomar el sentido del garabato, para ello debemos ir tanteando, moviéndonos, explorando… Ese es el origen de realizar figuras.

Las imágenes del arte bruto tienen un origen iconoclasta.

Existen otras dos vertientes a la hora de producir dibujos:

1.       Dibujo háptico: tiene que ver con la movilidad, pero sin ver , quiere decir, sin contralar la mano.

2.       Dibujo óptico: El que requiere de la vista para dibujar y de la mano para controlar y juzgar el dibujo.

Por lo que otra manera de ver nuestra introducción en la creación es recuperar lo aptico frente a lo óptico.

El cometido de la clase de hoy, es pintar por primera vez con acrílicos, pero antes de usarlos debemos crear un garabato un conjunto de líneas del que salga despues nuestra cara, no representarla automaticamente, haciendo la nariz, ojos....
Por lo que primero usamos los chunkys y las tizas para crear nuestro boceto como los bocetos de artistas que nos mostraron en clase:
 

Boceto de Leonardo Da Vinci.

Boceto de Leonardo Da Vinci.

Boceto de Leonardo Da Vinci.

Boceto de Miguel Ángel.

El resultado final de mi pintura fue:

Autorretrato 4, con pintura acrílica.

Creo que si hbiera separado mejor las partes en vez de dejar tanto caos el resultado habría sido mas positivo. Como todo cuadro, pasa por dos etapas: el caos y el ordenamiento del caos.



















El fundamento de la creación consiste en: aceptar el fracaso (no debemos ser tan rígidos, ni debemos exigirnos con los cuadros que van saliendo) y hay que probar (es la relación de la prueba-error, así poco a poco iremos aprendiendo)En el dibujo estamos obsesionados con buscar un resultado, llegar al final, lo cual es un grave error. Hay que tantear, ser un creador, que no es otro que el que tiene, posee, ciertos procedimientos de tanteo.

Cuadro del Arte Bruto.

Semana 4.

Umberto Boccioni (1882-1916),
 "Dinamismo de un jugador de fútbol" 1911.

El pintor a quién imitaremos hoy será Boccioni (1882-1916) , futurista italiano que se dedicó a estudiar el movimiento de las formas y la concreción de las materias. Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En cuadros como Dinamismo de un ciclista (Dinamismo di un ciclista, 1913), o Dinamismo de un jugador de fútbol (Dinamismo di un giocatore di calcio, 1911), las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio.

La obra que nosotros representamos poseía sucesivas capas de complicado entramado que se aprecian por la transparencia y frescura de su obra. Esas capas muestran varias etapas de la obra que dialogan entre ellas, como nos dijeron haciendo referencia a una metáfora: son un conjunto de amigos, de familias, de personas diferentes, muy diferentes entre ellos, que se relacionan que salen juntos, que se enfadan, se separan, se casan, se divorcian, van de botellón, hay amor, enfado, sexo, se comunican… Es resumen, crean una sintaxis.  Todo ello quiere decir que no son homogéneas en su totalidad y ello provoca un efecto de profundidad. Los materiales que usa en su obra son carboncillo y  goma de borrar. Es un dibujo muy cuidadoso, con un trazo emocional de líneas curvas bailando que desprende una energía de tranquilidad y crean complejidad pero no caos.



Umberto Boccioni (italiano, 1882-1916)
, "Los estados de la mente: las despedidas." 1911,
de carbón y tiza sobre papel, 58,4 x 86,4 cm,
Museo de Arte Moderno de Nueva York. Regalo de Vico Baer.

Para realizar una analogía de su obra  hay que desplazar el cuerpo, liberando el gesto y el movimiento de todo el brazo pintando en una posición predispuesta a fluir y a zarandearse. Con un trazo muy relajado. Además hay que empezar creando un fondo para después ir añadiendo el trazo delantero para acabar con los detalles que acompañan a la obra.   

El resultado de la analogía de esta obra fue este entramado, que no contenía suficientes relaciones de bandas levemente trazadas y además las bandas debían ser más gruesas. No obstante, se aprende a base de acción y error.



Ejercicio. Con carboncillo.

 

 



Romul Nutiu (1932-2012);
"Secretos de de la Montaña" 2010.

El otro artista a quien imitamos hoy es Romul Nutiu (1932-2012) nació en Rumania, en el siguiente video se puede ver su estudio:

http://www.youtube.com/watch?v=wDrVwyFYj6Y

 

 En el caso de Nutiu, el trazado de su obra es completamente opuesto a lo que se proponía con Boccioni. En ese caso, consite en dibujar un entramado de trazar pequeñas, decididas, vigorosas y de varios colores primarios como se observa en el cuadro de la izquierda que es el que tuvimos que representar. Por tanto, para realizar esa pintura hay que tener en movimiento pero con movimiento firmes, rápidos y sin dudar. Como en todas las obras, dibujamos en el papel, después nos alejamos para ver como va evolucionando el cuadro en conjunto y volvemos a acercarnos, sumergiéndonos de nuevo en el cuadro.

 

La pintura que surgió a partir de este modelo fue la de a continuación: con trazos fuertes, momentáneos y de colores unicamente primarios.

Ejercicio. Con pasteles.

"El muro de la fama." Imagen Copiada de http://barrachunky.wordpress.com/ 

La clave de dibujar es la capacidad de abrir el gesto controlándole. Hay que tener en cuenta que las líneas, bandas, tramado que dibujamos es algo vivo que debe dialogar entre si, manteniendo una relación, como se comentaba anteriormente.

También trabajaremos, al contrario que el otro día,  texturas blancas sobre papel negro dividiendo el proceso de elaboración del cuadro en tres momentos:

      1. Realizar tramas verticales u horizontales.

      2. Realizar tramas verticales u horizontales. (Lo contrario que hayamos hecho al principio)

      3. Aumentar la complejidad y resaltar detalles del cuadro aportándole profundidad. 

Ejercicio. Con tiza blanca.

Tomando como modelo el modelo de Umberto Boccioni (1882-1916) "Los estados de la mente: las despedidas." (1911) surgió este entramado complejo de suaves líneas blancas.



 Imagen Copiada de http://barrachunky.wordpress.com/

Lo mismo haremos pero en este caso incluyendo colores, cuyo resultado es la siguente obra:  

Ejercicio. Con pasteles.

 

 Usaremos como siguiente modelo a Fleischmann(1892-1968) de nacionalidad alemana. En sus primeras obras desarrolló la búsqueda bidimensional y elaboró, con posterioridad, nuevas composiciones de formas elementales. Se adhirió al grupo Espace. Las obras de Fleischmann son testimonio de su interés por los campos ovalados dentro del cuadro, que en cierto modo hacen surgir un cuadro dentro del cuadro que recuerdan a las composiciones cubistas. Las pinturas de Fleischmann se caracterizan por ocuparse del concepto pictórico idealista del ordenamiento horizontal-vertical como expresión fundamental de la vida, al igual que por el tema del movimiento vibratorio del color. Fleischmann perfecciona el juego de equilibrios y fuerzas entre línea, cantidad y calidad del color en el sentido de conferir ritmo y musicalidad a sus composiciones.
Como la obra mostrada en clase, de tema compositivo de color rojo que se mezcla con el blanco sobre fondo negro y crea un volumen por las diferentes tonalidades:



Adolph Richard Fleischmann.

Composición en rojo (1951)

  Se percibe el movimiento del cuerpo porque no podemos olvidar que SOMOS CUERPOS, que nos movemos y que la pintura que realicemos debe hacerse desde una posicion de espadachin y no de una postura fija e inmovil.

El resultado del cuadro anterior fue la siguiente pintura, pese a que debía haber sido mucho más precisa respecto el trazado de las paralelas ya que cada línea es un mundo. 



Ejercicio. Con pastel, tiza y chunky.