Semana 3.

- LA RELACION ENTRE EL GESTO Y LA TONALIDAD EMOCIONAL Y EL DIBUJO DEL MOVIMIENTO  Y LA QUIETUD:

En la introducción de la clase nos recordaron el contenido fundamental del curso: La iniciación a la creación arquitectónica a través del dibujo, es decir, a través de producir figuras. Nos estamos iniciando en un oficio que consiste en ser creativo. 

La iniciación es una transformación: DE USUARIO  DEL MUNDO à CRITICO DEL MUNDO

Ser usuario es pasar desapercibido entre la sociedad, es socializarte. Como decía Aristóteles:

  "El ser humano es un ser social por naturaleza, y el insocial por naturaleza y no por azar o es mal humano o más que humano... La sociedad es por naturaleza y anterior al individuo... el que no puede vivir en sociedad, o no necesita nada por su propia suficiencia, no es miembro de la sociedad, sino una bestia o un dios."  

Para transformarse es necesario desprenderse del gesto que ha sido creado y manipulado por la educación. La iniciación es el cambio: de la llegada a la creación a la acción de crear. Ese cambio consistirá en realizar movimientos que nunca habíamos hecho, hay que alterar ciertas posturas generales para comenzar la operación de tanteo, la cual es un movimiento que crea incertidumbre, al no conocer el objetivo ola meta de ello… y esa es la experiencia creativa. 

Según los expertos cuando un movimiento se repite 10.000 veces se acaba aprendiendo. Nuestra formación no consiste en repetir 10.000 veces un modelo de cuadro, sino que se nos mostrará un amplio abanico de posibilidades para intentar captar los movimientos del autor y con ello "crear arte".

Además debemos hacernos a la idea de la suerte que tenemos al estar en este aula y del gran compromiso social que eso conlleva.

Nos encontramos en el primer escalón de nuestra iniciación – LIBERAR LA MANO – dentro de un contexto gráfico respecto a la arquitectura. 

La herramienta tiene dos partes: el utensilio (la mano) y el soporte (el papel) Todo tiene un aspecto fundamental material. El aspecto material del dibujo es muy importante.

La definición de dibujo es dejar huellas, y tiene dos partes: el fondo del dibujo y la figura central. Esa relación es contante a lo largo de toda la historia del arte. 

También el dibujo es un proceso. El dibujo consta de etapas. 

Otra idea que debemos adquirir es que el mundo está fabricado, hay operaciones de montaje, al igual que en el arte. 

Un creador es alguien que disfruta ensuciándose y manchándose hasta que el óleo, lienzo, papel…que tiene entre sus manos comienza a tomar forma pasando por diferentes fases para acabar siendo lo que verdaderamente ha pedido ser.

Las obras surgen de las emociones humanas que son las energías básicas que mueven a los seres humanos. Por tanto, toda obra de arte está afectada por el artista y sus emociones. Debe haber una poética entre la quietud y la actividad. Para contemplar la imagen tomaremos una actitud contemplativa para luego liberar la mano... Lo que esta semana veremos en clase es EL GESTO Y LA TONALIDAD EMOCIONAL.

Jhon Constable( 1776- 1873) Estudio de nubes.

Jhon Constable (1776-1873) fue un pintor inglés de paisajes. Se le considera el gran renovador del paisajismo inglés. Con el paso del tiempo se va viendo en ella un naturalismo más sombrío y melancólico, donde los paisajes se cargan más de sentimiento. Esto se verá aún más acusado tras la muerte se su mujer, María.Sus obras tienen que ver con dos conceptos: sublime (que son las fuerzas de la naturaleza) y lo pintoresco (la sociedad) Se reconocen los gestos y movimientos en sus obras y sus emociones al pintarlos. Se preocupaba por el paisaje y, sobre todo, de los efectos ambientales de la luz sobre la naturaleza.Otro rasgo particulares que elige paisajes con nubes inestables, en los que el aspecto cambia de un momento a otro. Constable afirmó:

John Constable: El carro del heno, 1821 (London, National Gallery)

 «La forma de un objeto es indiferente; la luz, la sombra y la perspectiva siempre lo harán hermoso»

Su técnica resulta renovadora: pequeñas manchas y trazos superpuestos. Aplica una pasta espesa, a veces con espátula, lo que le aleja de la limpieza y luminosidad de otros artistas. Su obra más famosa es El carro de heno. 

J.M. Turner (1775-1851)
 La llegada de un crucero, 1826.

Otro artista que vamos a imitar es Turner, Joseph Mallord William Turner (1775 - 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Es considerado como "el pintor de la luz". En sus obras centra el tema de la tormentas, sus cuadros son un sistema de pinceladas, de familias de gestos: más o menos densos, más largos, más cortos… 

La primera obra que analizaremos será “Tempestad en los Alpes” de Turner. Hay que ver los movimientos que realiza para que pongamos en marcha un procedimiento gráfico que dé algo parecido a la obra que se exponga en clase con la finalidad de analizarla e ir liberando la mano. Por tanto, las clases de esta semana se van a basar en:

       1.     La relación de la tonalidad emocional y el gesto.

       2.     Dibujo en movimiento y de la quietud.

Ejercicio. Con tizas de colores.





J. M. Turner  (1775 - 1851),
 "La tempestad en los Alpes"

Tras comprobar que éramos incapaces de poder percibir el movimiento de la pintura nos comentaron que Turner realiza un análisis de los gestos y de los movimientos, al igual que Leonardo Da Vinci, también estudia el control de los gestos.

Leonardo da Vinci (1452-1519)
Diluvio con montaña cayendo y ciudad colapsando (c. 1515),
Carboncillo.

Nos dijeron que para poder controlar el gesto y realizar un boceto de lo que queríamos representar había que empezar por las líneas generales y separando la obra en partes. 

Ejercicio. Con lápiz. (en A4)

Lo mismo hicimos para el cuadro de "Tempestad en los Alpes” de Turner, analizar sus movimientos y separar sus partes.

Ejercicio. Con lápiz (en A4)

Ejercicio. Con tizas de colores.

Comenzamos unas nuevas pinturas con estos nuevos modelos acompañándonos. Tras intentarlo por segunda vez esta pintura fue la consecuencia final:  

Otro pintor que eligieron como modelo de obras fue Zóbel (1924- 1984) pintor español-filipino que posee en sus cuadros una actitud pausada, una poética muy difuminada, sobre un fondo casi difuso expone sus figuras con fuerza, son pinceladas tranquilas. De formación autodidacta.  Su primera exposición tuvo lugar en Boston en 1951, y a continuación expuso en Manila en 1952. El prestigio de Fernando Zóbel creció  y sus obras cuelgan en los museos más importantes del mundo. Participó en más de 150 exposiciones colectivas, y más de 40 individuales. 

Debemos practicar el cambio de emoción, para poder crear arte. Por ello veremos unos cuantos modelos y a través de ellos crearemos nuestro cuadro, debido a que "el arte se hace con la memoria". 

"Palacio de Cristal III" 

"Atocha nocturno"

"El juego del te"

"Invierno húmedo"

"Jardín seco"

"Ornitóptero"

Pese a las muchas obras que vimos, no me sentía motivada porque los profesores no hacían más que decirnos pautas de cómo hacerlo que desde mi punto de vista algunas se contradecían: más vigorosidad, con sensibilidad, que destaque, un fondo casi difuminado, que no ocupe, que los colores abunden por todo el papel... El resultado de todo es que tenías miedo de pintar porque no sabías exactamente por saber que hacer, es cierto que nos dijeron que lo que ahora haríamos serían "mierdas" y que no nos teníamos que exigir tanto al principio. Aún así lo que nos pedían eran: basándonos en las pinturas de Zóbel, debíamos crear un fondo difuso que fuera colonizando el papel y una figura que destacase y con forma geométrica. 

Ejercicio. Con tizas de colores.

Ejercicio. Con tizas de colores.

Ambos carentes de vida, de emociones, de figuras que despunten o que transformen la imagen... Se necesita más ira, más furia para poder crear obras que pongan los pelos de punta o que transmitan sensibilidad. 

No se puede crear nada con la frustración o el miedo. Está semana en la clase de dibujo, análisis e ideación he aprendido que para dibujar hay que sentir y eso debes demostrarlo con cada parte de tu cuerpo, en vez de naufragar en un mar de dudas y desesperación con tu pintura.