Semana 13.

Como hemos visto en las semanas anteriores dibujar es hacer y deshacer, es un proceso que requiere sus pasos:
0-Colocarnos de manera lo más cómoda posible para que casi no haya movimiento entre ver lo que dibujamos y ver la realidad que hemos elegido. Que haya una líena perpendicular imaginaria entre el modelo y el papel.
1- Situar o encuadrar lo que queramos representar.
2-Empatizar con aquello que hayamos elegido hasta el punto de motivarnos y querer comenzar a dibujar sin parar. Al igual que hacía Giacometti con sus obras, que al mirar a la figura a los ojos, parecía compenetrarse con ella, nosotros debemos hacer eso, DEBEMOS BUSCAR LOS OJOS DEL HABIENTE.
3-Contemplarlo inteligentemente saber las relaciones entre los objetos para así plasmarlo mejor sobre el papel.
4- Descomponer esa realidad en geometria para trasladarla a las dos dimensiones.
5-Apropiarse del dibujo.

Además de ir comprobando sistematicamente lo que va aparenciendo en nuestro papel con la realidad, ya que dibujar es una comprobación constante del habiente real.

Los posibles problemas que se nos pueden plantear son:
1. Centrar nuestra antención en un punto demasiado alejado sin prestar atención a nuestro entorno más próximo.
2. Dibujar con demasiada perspectiva, como si fuéramos gigantes que miramos el mundo desde arriba.
No obstante, todo esto es falso, no se puede academizar el crear, no nos pueden decir si hacéis A, B, C... sabréis dibujar igual que Miguel Ángel o Leonardo. No es posible que en 4 meses de clases nos enseñen algo que se tarda toda una vida en mejorar y en avanzar, y aún así día a día se puede ir perfeccionando.

Lo que nos pueden ofrecer es una serie de recomendaciones o consejos para mejorar nuestro dibujo o proyecto de tal. Dichas recomendaciones son:
1.Crear una ventana de encuadre
2. Hallar el centro del dibujo con el centro de la ventana para adaptar el dibujo según ese punto
3. Poner una línea de horizonte donde las rectas acaban allí
4. Para dar saltos en el dibujo mediante diagonales ir uniendo objetos, es decir, triangulando objetos para situarlos en el contexto del dibujo...(concretaremos más la semana que viene)
5. Invocar una geometría del espacio.
6. Iniciar el dibujo con los ejes, para crear un espacio contenedor y el contenido en él.

Introducimos el tema de la luz: hay que mirar la luz, con los ojos muy entornados para verlas como manchas de luz y sacar de ellas la geometría y simplificación de ellas.
Todo ellos son ejercicios de simplificación de la realidad, porque no es posible apropiarse de toda la globalidad del tema.

En conclusion, hemos elegido instalarnos en el lugar donde el mundo se fabrica, donde inventamos las visiones del mundo. Es un problema abierto, el fabricar lugares virtuales, habitar lugares imaginarios. Lo que los profesores están buscando es proyectar arquitectura, con operaciones básicas.


  1. El mundo se produce -----> las imágenes se producen.
 2. Habitar lugares virtuales.




Dibujo 1.

Dibujo 2.



Dibujo 3.

Dibujo 4.

 
 Creo que ha sido la primera vez que verdaderamente he dibujado en clase de dibujo, análisis e ideación. La sensación de que he hecho lo que se esperaba de mí, ha sido la más satisfactoria que he tenido en todo este cuatrimestre. Tras la incetidumbre sufrida de las semanas anteriores, en las que no se podía ir a la imagen final, solo con pensar en esta clase, daba pavor. Esta semana ha sido todo lo contrario, faltaba tiempo para acabar de dibujar, salías contenta de clase, realizada, pensando en que has hecho un buen trabajo. Todo el sufrimiento, vale la pena, se aprende con errores y decepciones.
Esto ha hecho que siga adelante, que no me rinda y que tenga curiosidad por las recomendaciones de la futura clase.

Semana 12.

Dibujar el espacio vacío es muy difícil porque hay una cantidad de elementos terrorífica, por ello hay que seguir un procedimiento. Como por ejemplo, Giacometti comienza por los ojos que no es un punto aleatorio, es el punto de arranque que es un componente emocional.

Ese punto argumental es el necesario para colonizar el resto del papel, como nos mostraba Pedro Burgaleta  durante la clase en el proyector al realizar el dibujo -con el procedimiento que debíamos seguir-debemos elegir un punto clave y desde allí establecer un recorrido, para así ir fabricando racimos de objetos y crear ese ambiente. Es un procedimiento abstracto que simplifica la realidad a través de recorridos.

Hay que agotar todos los recorridos que comienzan en un punto para completar el ambiente total.

Nosotros dirigimos el dibujo hacia la imagen figurativa pero ese no es el mecanismo a seguir, pese a ello, es el procedimiento natural o coloquial de dibujar. Por ello debemos pasar por un cambio de mentalidad.

Dibujar y pensar es establecer relaciones, al final los objetos acaban surgiendo.

Pero para que salgan los objetos adecuadamente, hay que resolver los siguientes problemas:

1.       Encuadre del dibujo.

2.       Prefiguración del espacio, estableciendo los recorridos.

3.       Creación: soportar la incertidumbre del final.

Jueves 22:

Apunte 1.

Apunte 2.

Apunte 3.

Viernes 23:

Dibujo 1.



Dibujo 2.



Dibujo 3.

Esta semana ha sido muy dura, cada clase era una pelea por comprender lo que realmente debíamos plasmar en nuestros dibujos. En mi opinión, la clase del viernes teórica se tendría que haber impartido el jueves, debido a que el desarrollo de nuestros trabajos habría sido más positivo y no acabaríamos  tan agotados, por la incapacidad de poder alcanzar los objetivos que se esperaban de nuestros dibujos.

Apuntes para casa II

Se trata de realizar de nuevo 24 apuntes con el proceso creativo de Giacometti. Pero con la indicación de que todo deben ser ambientes interiores y deben tener personas en ellos.

El resultado de este segundo intento por captar la técnica del artista fue:


Apunte 1.

Apunte 2.





Apunte 3.

Apunte 4.

Apunte 5.

Apunte 6.



Apunte 7.

Apunte 8.

Apunte 9.

Apunte 10.
 



Apunte 11.

Apunte 12.

Apunte 13.

Apunte 14.

Apunte 15.



Apunte 17.

Apunte 16.

Apunte 18.

Apunte 19.

Apunte 20.



Apunte 21.



Apunte 22.



Apunte 23.

Apunte 24.

Parece que va todo cobrando sentido, muy lentamente, los cuadros ya tienen más puntos de vista y formas para crearlos. Sabes exactamente lo que debes realizar, y con los dibujos seleccionados sabes por donde debes encauzar tus dibujos.

"De lo espiritual en el arte" Kandisnky

El autor de este libro es Vasili Kandinsky (1866-1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

                                                           http://www.youtube.com/watch?v=BxGG1DtVbW0

En 1911 publica  “De lo Espiritual en el Arte”, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinsky da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color,  es decir, las respuestas que tiene cada color en el alma. Kandinsky opina que solamente teniendo el alma abierta seremos capaces de experimentar infinidad de sentimientos y sensaciones con las que el artista nos quiere deleitar, siendo también el deber y la misión del artista la de expresar su visión del mundo “El artista puede utilizar cualquier forma para expresarse.”

Con esta obra Kandinsky se propone despertar la capacidad de captar lo espiritual de las cosas materiales y abstractas. Esta capacidad piensa que es básica para el arte del futuro y con la cual seremos capaces de experimentar infinidad de sentimientos y sensaciones.

Defiende la dirección que ha escogido el arte hacia la abstracción. Opina que en el mundo en el que nos encontramos, no es tan importante en el arte, la vultuosidad con la que se realiza la obra o el parecido con la realidad que representa, sino lo espiritual que transmita. Por tanto, la grandeza de un artista se puede medir por la capacidad de encender una llama de emociones a través de sus obras.

Kandisnky, Composition VII1913 (200 Kb); Oil on canvas, 200 x 300 cm (6' 6 3/4" x 9' 11 1/8"); Tretyakov Gallery, Moscow

Personalmente el libro me ha parecido muy útil para iniciar ese proceso mental de nuevos conceptos- que constantemente oímos en clase de dibujo, análisis, e ideación- relacionados con el arte y la manera de pensar del artista.  Una muestra de introducción de vocabulario y proceso mental sería: “Nuestra alma, que después de un largo periodo materialista se encuentra aún en los comienzos del despertar, contiene gérmenes de la desesperación, de la falta de fe, de la falta de meta y de sentido.” Como en la primera clase al exponernos lo que sucedería este curso con la metáfora  de que iniciaríamos el mismo proceso que ocurría con el mito de la Caverna de Platón… “¿Dónde están las reservas para la lucha en contra de las tinieblas? En esta ciudad viven también seres sordos, atontados por una sabiduría ajena a ellos; seres ciegos, porque les ha cegado la sabiduría ajena…Pero también estos hombres oirán y verán”  Incluso introduce citas que se relacionan con uno de los objetivos de clase “¡Conócete a ti mismo! Sócrates”.

También añade otros autores que te supone un trabajo de investigación y conocimiento de cada uno de ellos como los buscadores de lo interior en lo exterior: Cézanne, Segantini,… U artistas que estudiamos en clase con detenimiento: “Estos problemas son en el fondo su fuerte. Matisse: color. Picasso: forma. Dos grandes vías hacia un gran objetivo.”  “(Henri Matisse) Pinta ‘imágenes’ en las que quiere reflejar lo divino. Para lograrlo no necesita otros medios que el objeto (persona o cosa) como punto de partida y los medios exclusivos de la pintura: color y forma. Guiado por cualidades específicamente personales, como francés que es, dotado de un extraordinario sentido del color, Matisse da a éste la supremacía y la importancia central.”

Con este libro, se adquiere un nuevo enfoque del arte, pero en contraposición, si no te concentras en todo momento en la lectura, te pierdes completamente su significado, por lo que es un libro difícil de seguir.

“Toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces es madre de nuestros sentimientos” Kandinsky

Semana 11.

Para dibujar la realidad debe haber un procedimiento de dibujo. El procedimiento de Giacometti, es un procedimiento en suspenso, es una madeja de líneas, por medio de tanteo, pruebas… una metáfora sobre el procedimiento de acción de Giacometti sería, que Giacometti es un ciego que va tanteando la realidad, lo va tocando todo hasta intentar tener una imagen fiel a la realidad, correspondería por tanto, al dibujo áptico.

La resolución final es a través de una serie de pruebas. Giacometti se quejaba de que nunca le quedaban verdaderamente reales los dibujos, sino que era una aproximación a la realidad, por medio del prefigurar. Es imposible que la primera vez que se intenta que se capte la realidad tal y como es, ello solo es fruto del virtuosismo. Lo que debemos hacer es ir probando por el procedimiento de Giacometti, y así acercarnos a sus dibujos.

La manía de Giacometti era comenzar el rostro humano por los ojos, al ser lo primero que se ve en una persona.

Lo que hoy debemos aprender es la velocidad y desarrollo del dibujo, para ello, dibujaremos a la vez que el profesor que nos lo mostrará buscando en nuestros dibujos el parecido en la acción. De ese modo comprenderemos el procedimiento de inicio y continuación de los dibujos. Para luego aplicarlo a los apuntes que tomemos por la clase.


Día uno (15-11-12)
- Apuntes de obras de Giacometti:



Apunte 1

 

Apunte 2.



Apunte 3.



Apunte 4.

Apunte 5.



Apunte 6.




 



Apunte 7.



Apunte 8.



Apunte 9.

 

Apunte 10.

 

Apunte 11.

 -Apuntes tomados por el aula:

Apunte 12.



Apunte 13.



Apunte 14.



Apunte 15.



Apunte 16.

 

Apunte 17.

Para acabar los cuadros Giacometti usa la goma para hacerlos más difíciles de entender, y así darle mayor complejidad a sus obras.
Día dos (16-11-12)
-Apuntes de obras de Giacometti:

Apunte 1.



Apunte 2.



Apunte 3.



Apunte 4.



Apunte 5.

Apunte 6.



Apunte 7.



Apunte 8.



Apunte 9.



Apunte 10.



Apunte 11.



Apunte 12.

Creo que si de verdad quieren que amemos la pintura, que disfrutemos dibujando, que nos apasione el tanteo del dibujo, no deberían presionarnos tanto para poder dejar volar ese amor por el dibujo... En mi opinión, ese amor nace dentro de ti o no... es como el gusto por la ropa o por la comida, hay cosas que te gustan más o menos, con el dibujo pasa lo mismo... Lo que nos puede ocurrir si lo tomamos como algo repetitivo, laborioso y obligatorio es que pierda ese toque de magia que se desprende a la hora de comenzar a dibujar en un papel completamente blanco.