Semana 4.

Umberto Boccioni (1882-1916),
 "Dinamismo de un jugador de fútbol" 1911.

El pintor a quién imitaremos hoy será Boccioni (1882-1916) , futurista italiano que se dedicó a estudiar el movimiento de las formas y la concreción de las materias. Aunque influenciado por el cubismo, al que reprochaba su estatismo excesivo, Boccioni evitó siempre en sus cuadros la línea recta y utilizó los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En cuadros como Dinamismo de un ciclista (Dinamismo di un ciclista, 1913), o Dinamismo de un jugador de fútbol (Dinamismo di un giocatore di calcio, 1911), las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren eficazmente la idea del movimiento en el espacio.

La obra que nosotros representamos poseía sucesivas capas de complicado entramado que se aprecian por la transparencia y frescura de su obra. Esas capas muestran varias etapas de la obra que dialogan entre ellas, como nos dijeron haciendo referencia a una metáfora: son un conjunto de amigos, de familias, de personas diferentes, muy diferentes entre ellos, que se relacionan que salen juntos, que se enfadan, se separan, se casan, se divorcian, van de botellón, hay amor, enfado, sexo, se comunican… Es resumen, crean una sintaxis.  Todo ello quiere decir que no son homogéneas en su totalidad y ello provoca un efecto de profundidad. Los materiales que usa en su obra son carboncillo y  goma de borrar. Es un dibujo muy cuidadoso, con un trazo emocional de líneas curvas bailando que desprende una energía de tranquilidad y crean complejidad pero no caos.



Umberto Boccioni (italiano, 1882-1916)
, "Los estados de la mente: las despedidas." 1911,
de carbón y tiza sobre papel, 58,4 x 86,4 cm,
Museo de Arte Moderno de Nueva York. Regalo de Vico Baer.

Para realizar una analogía de su obra  hay que desplazar el cuerpo, liberando el gesto y el movimiento de todo el brazo pintando en una posición predispuesta a fluir y a zarandearse. Con un trazo muy relajado. Además hay que empezar creando un fondo para después ir añadiendo el trazo delantero para acabar con los detalles que acompañan a la obra.   

El resultado de la analogía de esta obra fue este entramado, que no contenía suficientes relaciones de bandas levemente trazadas y además las bandas debían ser más gruesas. No obstante, se aprende a base de acción y error.



Ejercicio. Con carboncillo.

 

 



Romul Nutiu (1932-2012);
"Secretos de de la Montaña" 2010.

El otro artista a quien imitamos hoy es Romul Nutiu (1932-2012) nació en Rumania, en el siguiente video se puede ver su estudio:

http://www.youtube.com/watch?v=wDrVwyFYj6Y

 

 En el caso de Nutiu, el trazado de su obra es completamente opuesto a lo que se proponía con Boccioni. En ese caso, consite en dibujar un entramado de trazar pequeñas, decididas, vigorosas y de varios colores primarios como se observa en el cuadro de la izquierda que es el que tuvimos que representar. Por tanto, para realizar esa pintura hay que tener en movimiento pero con movimiento firmes, rápidos y sin dudar. Como en todas las obras, dibujamos en el papel, después nos alejamos para ver como va evolucionando el cuadro en conjunto y volvemos a acercarnos, sumergiéndonos de nuevo en el cuadro.

 

La pintura que surgió a partir de este modelo fue la de a continuación: con trazos fuertes, momentáneos y de colores unicamente primarios.

Ejercicio. Con pasteles.

"El muro de la fama." Imagen Copiada de http://barrachunky.wordpress.com/ 

La clave de dibujar es la capacidad de abrir el gesto controlándole. Hay que tener en cuenta que las líneas, bandas, tramado que dibujamos es algo vivo que debe dialogar entre si, manteniendo una relación, como se comentaba anteriormente.

También trabajaremos, al contrario que el otro día,  texturas blancas sobre papel negro dividiendo el proceso de elaboración del cuadro en tres momentos:

      1. Realizar tramas verticales u horizontales.

      2. Realizar tramas verticales u horizontales. (Lo contrario que hayamos hecho al principio)

      3. Aumentar la complejidad y resaltar detalles del cuadro aportándole profundidad. 

Ejercicio. Con tiza blanca.

Tomando como modelo el modelo de Umberto Boccioni (1882-1916) "Los estados de la mente: las despedidas." (1911) surgió este entramado complejo de suaves líneas blancas.



 Imagen Copiada de http://barrachunky.wordpress.com/

Lo mismo haremos pero en este caso incluyendo colores, cuyo resultado es la siguente obra:  

Ejercicio. Con pasteles.

 

 Usaremos como siguiente modelo a Fleischmann(1892-1968) de nacionalidad alemana. En sus primeras obras desarrolló la búsqueda bidimensional y elaboró, con posterioridad, nuevas composiciones de formas elementales. Se adhirió al grupo Espace. Las obras de Fleischmann son testimonio de su interés por los campos ovalados dentro del cuadro, que en cierto modo hacen surgir un cuadro dentro del cuadro que recuerdan a las composiciones cubistas. Las pinturas de Fleischmann se caracterizan por ocuparse del concepto pictórico idealista del ordenamiento horizontal-vertical como expresión fundamental de la vida, al igual que por el tema del movimiento vibratorio del color. Fleischmann perfecciona el juego de equilibrios y fuerzas entre línea, cantidad y calidad del color en el sentido de conferir ritmo y musicalidad a sus composiciones.
Como la obra mostrada en clase, de tema compositivo de color rojo que se mezcla con el blanco sobre fondo negro y crea un volumen por las diferentes tonalidades:



Adolph Richard Fleischmann.

Composición en rojo (1951)

  Se percibe el movimiento del cuerpo porque no podemos olvidar que SOMOS CUERPOS, que nos movemos y que la pintura que realicemos debe hacerse desde una posicion de espadachin y no de una postura fija e inmovil.

El resultado del cuadro anterior fue la siguiente pintura, pese a que debía haber sido mucho más precisa respecto el trazado de las paralelas ya que cada línea es un mundo. 



Ejercicio. Con pastel, tiza y chunky.

ELABORAR DIBUJOS INTERPRETANDO EL MOVIMIENTO DEL AGUA Y LAS NUBES DE DOS CUADROS DE TURNER.

Debo confesar que es muy duro ver como tu dibujo por mucho que te esfuerzas no acaba de acercarse a lo que verdaderamente es la obra del pintor, en este caso Turner. Pero tras varios intentos y bastante tiempo requerido compruebas que hay materiales que se adaptan mejor a las necesidades del cuadro y otros que son más fáciles de controlar, como por ejemplo: si usas un lapiz de mina más fina... También gracias a los recursos expuestos en clase la semana pasada, de cómo es la mejor manera de copiar un cuadro: realizando primero las líneas generales y luego los detalles, separar el cuadro en partes.... Te facilitan la copia del cuadro.
Para tener una guía visual de qué teniamos que hacer, nos mostraron estos dibujos de Leonardo da Vinci:


Leonardo da Vinci (1452-1519)
Diluvio con montaña cayendo y ciudad colapsando (c. 1515),
Carboncillo

Leonardo da Vinci (1452-1519)
Diluvio, formalizado (c. 1515),
Carboncillo, Tinta

 Los cuales quise representar para intentar mejorar el control sobre el gesto y captar los movimientos que realiza da Vinci en sus obras, así me sería más fácil realizar las obras de Turner.

El primer modelo que nos presentaron para comenzar a ser capaces de liberar y controlar el gesto simultáneamente para que las curvas sean continuas y los trazos de cada haz paralelos entre sí, fue el siguiente.

Turner (1775-1851)

Tormenta de nieve sobre barco de vapor en la bocana del puerto (1842)


 

Estos son los distintos resultados que obtuve:


Dibujo a potaminas.




Dibujo con pinturas de madera.

Dibujo a bolígrafo.

Dibujo a pilot negro.

El segundo modelo propuesto es :


Turner (1775-1851)

Fuego en el mar (c. 1835)

Los resultados fueron:



Dibujo a portaminas.

Dibujo a lápiz.

Dibujo con pinturas de madera.

Dibujo a bolígrafo.

Dibujjo a pilot negro.

Es una ardua tarea la de poder doblegar el gesto como nos pasa con la escritura, con la que llevamos casi toda nuestra vida usando; y de pronto nos dijeran que debemos cambiarla. No obstante, los resultados de trabajarlo y la paciencia dan sus frutos muy lentamente. 





Semana 3.

- LA RELACION ENTRE EL GESTO Y LA TONALIDAD EMOCIONAL Y EL DIBUJO DEL MOVIMIENTO  Y LA QUIETUD:

En la introducción de la clase nos recordaron el contenido fundamental del curso: La iniciación a la creación arquitectónica a través del dibujo, es decir, a través de producir figuras. Nos estamos iniciando en un oficio que consiste en ser creativo. 

La iniciación es una transformación: DE USUARIO  DEL MUNDO à CRITICO DEL MUNDO

Ser usuario es pasar desapercibido entre la sociedad, es socializarte. Como decía Aristóteles:

  "El ser humano es un ser social por naturaleza, y el insocial por naturaleza y no por azar o es mal humano o más que humano... La sociedad es por naturaleza y anterior al individuo... el que no puede vivir en sociedad, o no necesita nada por su propia suficiencia, no es miembro de la sociedad, sino una bestia o un dios."  

Para transformarse es necesario desprenderse del gesto que ha sido creado y manipulado por la educación. La iniciación es el cambio: de la llegada a la creación a la acción de crear. Ese cambio consistirá en realizar movimientos que nunca habíamos hecho, hay que alterar ciertas posturas generales para comenzar la operación de tanteo, la cual es un movimiento que crea incertidumbre, al no conocer el objetivo ola meta de ello… y esa es la experiencia creativa. 

Según los expertos cuando un movimiento se repite 10.000 veces se acaba aprendiendo. Nuestra formación no consiste en repetir 10.000 veces un modelo de cuadro, sino que se nos mostrará un amplio abanico de posibilidades para intentar captar los movimientos del autor y con ello "crear arte".

Además debemos hacernos a la idea de la suerte que tenemos al estar en este aula y del gran compromiso social que eso conlleva.

Nos encontramos en el primer escalón de nuestra iniciación – LIBERAR LA MANO – dentro de un contexto gráfico respecto a la arquitectura. 

La herramienta tiene dos partes: el utensilio (la mano) y el soporte (el papel) Todo tiene un aspecto fundamental material. El aspecto material del dibujo es muy importante.

La definición de dibujo es dejar huellas, y tiene dos partes: el fondo del dibujo y la figura central. Esa relación es contante a lo largo de toda la historia del arte. 

También el dibujo es un proceso. El dibujo consta de etapas. 

Otra idea que debemos adquirir es que el mundo está fabricado, hay operaciones de montaje, al igual que en el arte. 

Un creador es alguien que disfruta ensuciándose y manchándose hasta que el óleo, lienzo, papel…que tiene entre sus manos comienza a tomar forma pasando por diferentes fases para acabar siendo lo que verdaderamente ha pedido ser.

Las obras surgen de las emociones humanas que son las energías básicas que mueven a los seres humanos. Por tanto, toda obra de arte está afectada por el artista y sus emociones. Debe haber una poética entre la quietud y la actividad. Para contemplar la imagen tomaremos una actitud contemplativa para luego liberar la mano... Lo que esta semana veremos en clase es EL GESTO Y LA TONALIDAD EMOCIONAL.

Jhon Constable( 1776- 1873) Estudio de nubes.

Jhon Constable (1776-1873) fue un pintor inglés de paisajes. Se le considera el gran renovador del paisajismo inglés. Con el paso del tiempo se va viendo en ella un naturalismo más sombrío y melancólico, donde los paisajes se cargan más de sentimiento. Esto se verá aún más acusado tras la muerte se su mujer, María.Sus obras tienen que ver con dos conceptos: sublime (que son las fuerzas de la naturaleza) y lo pintoresco (la sociedad) Se reconocen los gestos y movimientos en sus obras y sus emociones al pintarlos. Se preocupaba por el paisaje y, sobre todo, de los efectos ambientales de la luz sobre la naturaleza.Otro rasgo particulares que elige paisajes con nubes inestables, en los que el aspecto cambia de un momento a otro. Constable afirmó:

John Constable: El carro del heno, 1821 (London, National Gallery)

 «La forma de un objeto es indiferente; la luz, la sombra y la perspectiva siempre lo harán hermoso»

Su técnica resulta renovadora: pequeñas manchas y trazos superpuestos. Aplica una pasta espesa, a veces con espátula, lo que le aleja de la limpieza y luminosidad de otros artistas. Su obra más famosa es El carro de heno. 

J.M. Turner (1775-1851)
 La llegada de un crucero, 1826.

Otro artista que vamos a imitar es Turner, Joseph Mallord William Turner (1775 - 1851), pintor inglés especializado en paisajes. Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia. Es considerado como "el pintor de la luz". En sus obras centra el tema de la tormentas, sus cuadros son un sistema de pinceladas, de familias de gestos: más o menos densos, más largos, más cortos… 

La primera obra que analizaremos será “Tempestad en los Alpes” de Turner. Hay que ver los movimientos que realiza para que pongamos en marcha un procedimiento gráfico que dé algo parecido a la obra que se exponga en clase con la finalidad de analizarla e ir liberando la mano. Por tanto, las clases de esta semana se van a basar en:

       1.     La relación de la tonalidad emocional y el gesto.

       2.     Dibujo en movimiento y de la quietud.

Ejercicio. Con tizas de colores.





J. M. Turner  (1775 - 1851),
 "La tempestad en los Alpes"

Tras comprobar que éramos incapaces de poder percibir el movimiento de la pintura nos comentaron que Turner realiza un análisis de los gestos y de los movimientos, al igual que Leonardo Da Vinci, también estudia el control de los gestos.

Leonardo da Vinci (1452-1519)
Diluvio con montaña cayendo y ciudad colapsando (c. 1515),
Carboncillo.

Nos dijeron que para poder controlar el gesto y realizar un boceto de lo que queríamos representar había que empezar por las líneas generales y separando la obra en partes. 

Ejercicio. Con lápiz. (en A4)

Lo mismo hicimos para el cuadro de "Tempestad en los Alpes” de Turner, analizar sus movimientos y separar sus partes.

Ejercicio. Con lápiz (en A4)

Ejercicio. Con tizas de colores.

Comenzamos unas nuevas pinturas con estos nuevos modelos acompañándonos. Tras intentarlo por segunda vez esta pintura fue la consecuencia final:  

Otro pintor que eligieron como modelo de obras fue Zóbel (1924- 1984) pintor español-filipino que posee en sus cuadros una actitud pausada, una poética muy difuminada, sobre un fondo casi difuso expone sus figuras con fuerza, son pinceladas tranquilas. De formación autodidacta.  Su primera exposición tuvo lugar en Boston en 1951, y a continuación expuso en Manila en 1952. El prestigio de Fernando Zóbel creció  y sus obras cuelgan en los museos más importantes del mundo. Participó en más de 150 exposiciones colectivas, y más de 40 individuales. 

Debemos practicar el cambio de emoción, para poder crear arte. Por ello veremos unos cuantos modelos y a través de ellos crearemos nuestro cuadro, debido a que "el arte se hace con la memoria". 

"Palacio de Cristal III" 

"Atocha nocturno"

"El juego del te"

"Invierno húmedo"

"Jardín seco"

"Ornitóptero"

Pese a las muchas obras que vimos, no me sentía motivada porque los profesores no hacían más que decirnos pautas de cómo hacerlo que desde mi punto de vista algunas se contradecían: más vigorosidad, con sensibilidad, que destaque, un fondo casi difuminado, que no ocupe, que los colores abunden por todo el papel... El resultado de todo es que tenías miedo de pintar porque no sabías exactamente por saber que hacer, es cierto que nos dijeron que lo que ahora haríamos serían "mierdas" y que no nos teníamos que exigir tanto al principio. Aún así lo que nos pedían eran: basándonos en las pinturas de Zóbel, debíamos crear un fondo difuso que fuera colonizando el papel y una figura que destacase y con forma geométrica. 

Ejercicio. Con tizas de colores.

Ejercicio. Con tizas de colores.

Ambos carentes de vida, de emociones, de figuras que despunten o que transformen la imagen... Se necesita más ira, más furia para poder crear obras que pongan los pelos de punta o que transmitan sensibilidad. 

No se puede crear nada con la frustración o el miedo. Está semana en la clase de dibujo, análisis e ideación he aprendido que para dibujar hay que sentir y eso debes demostrarlo con cada parte de tu cuerpo, en vez de naufragar en un mar de dudas y desesperación con tu pintura. 

Semana 2.

-LIBERAR LA MANO:
Hoy comenzaremos a dibujar, a inventar la realidad en vez de hacer el dibujo tradicional al que nos han sometido a lo largo de toda nuestra educación. Este inicio conlleva un tanteo, una movilidad, un fluir porque somos cuerpos.

Desde nuestra infancia hemos tenido que atender por medio de nuestra postura atenta y permanentemente inmóvil, eso es lo que nos han ido inculcando. Esa posición va en contra de nuestra naturaleza por lo que es una postura de sometimiento. La postura que hoy debemos tratar de realizar es la del dibujante, como un espadachín que balancea su espada según su propio designio. 

El sometimiento cultural hace obligatorio mantener la actitud de permanecer quietos y atentos ante determinadas situaciones, pero la creación es romper esa norma.

Para llegar a la verdadera creación empezaremos desde la niñez, cuando garabateábamos folios enteros tratando de divertirnos porque era lo único que buscábamos. LIBERAREMOS LA MANO para realizar esa actividad, que conlleva al placer porque es  un movimiento libre, despreocupado, exploramos el espacio y el cuerpo y nos proporciona movilidad, pese a que en nuestro mundo eso se considera tabú.

Después de los garabatos de la infancia pasábamos a la caligrafía, a las reglas de corregir esos garabatos para crear un lenguaje, es decir, el sometimiento del grafismo a unas leyes. Con el paso del tiempo, adoptamos una caligrafía única, que se diferencia del resto por nuestro temperamento y por las emociones que desprendemos al movernos o al escribir.

Nos debemos hacer a la idea de que SOMOS CUERPOS y lo manifestamos todo con él.

En otras parte del mundo la caligrafía se ha considerado un arte, como en China, Marruecos o como el caso del pintor Edwin Parker "Cy"  Twombly (1928-2011)conocido por sus pinturas graffiti de estilo caligráfico. Fue un pintor, escultor, dibujante y fotógrafo estadounidense del Expresionismo abstracto, los principales temas de su obra son: el dilema entre la abstracción y la figuración, la intervención del psicoanálisis, el primitivismo, el papel de la escritura en la pintura, el homenaje a los ancestros  o las conexiones artísticas entre Europa y América, son algunos de los principales temas del arte del siglo XX. Este artista murió el año pasado con 83años en Roma donde residía desde hace 50 años, su última exposición de su obra fue en la colección Lambert en Avignon (Francia). Era considerado uno de los mejores maestros del expresionismo abstracto, el movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo.

Realizaremos una pedagogía constructivista, se trata de generar una educación creciente en complejidad para que todos nosotros podamos investigar nuestro cuerpo  con la ayuda de los demás de una forma conjunta, en vez de, descubrirse a uno mismo por medio del autodidactismo. El camino que nos va a llevará hasta ese fin comienza observando imágenes de obras de Twombly para luego Imitarlas, por medio de la analogía. Esta analogía comienza con las acciones que manifiesta esa fotografía quiere decir, intentar conocer la emoción que desprende. Debido a que emoción significa causa del movimiento y por tanto la causa del movimiento que le llevó a realizar ese cuadro de esa manera.

Buscamos la causa porque nuestro pensamiento se divide en racional (lanza conjeturas que intentan ser veraces con lo que percibimos para tratar de explicarlo, es decir, nuestra curiosidad nos lleva a buscar la causa) e irracional(las emociones y sentimientos) Para que sepamos cómo es realmente un cuadro debemos “ABRIR EL MELÓN” de ese modo podremos verle por dentro e investigar: la relación del autor con el cuadro, los gestos para realizarle y sus direcciones, los colores, la intensidad, el tiempo que le puede haber llevado y las dos etapas de un cuadro (el caos y el orden o creación)

En la formación de esta clase no se trata de explicar lo que vemos, sino de buscar el sentido de las cosas que observamos, con el objetivo final de desarrollar una sensibilidad que nos capacitará para la arquitectura. 

Esta obra fue la primera que vimos, primero debíamos describirla, mirarla, conocerla... para después tener que imitarla. Todos dijimos que eran simples garabatos con una mayor o menor intensidad,que reflejaban varias capas de pintura y que tenia una dirección de inicio (en diagonal desde arriba hacia la esquina contraria de abajo).  Al principio no sabíamos ni como empezar pero  poco a poco todos juntos como una manada caminando hacia la creatividad comenzamos a pintar. 

Desde mi punto de vista impactaba tener un papel tan grande para crear algo tan ridículo como un garabato. Poco a poco comienzas a soltarte, cogiendo los materiales y ensuciando ese gran folio. Para que el resultado quede algo tan extraño como la siguiente fotografía.       

Ejercicio. Con tizas de colores.

Al "terminar" ese primer intento de analogía te das cuenta de algunos errores... no se trata de copiar ese modelo sino de captar las mismas emociones del artista para luego intentar que tu pintura transmita esas mismos sentimientos.
Otros errores que los profesores nos intentaban corregir eran:  hay que mover todo el cuerpo cuando se dibuja, no puedes estar rígido porque sino tu obra transmitirá esa sensación; debes separarte del cuadro para contemplarle y saber dialogar con él para crear lo que realmente quieres crear, si no te gusta debes borrar lo creado con un trapo... Algunas de las apreciaciones no eras capaz de entenderlas ni saber cómo responder ante ellas.
Al concluir el tiempo para crear ese primer cuadro, los profesores elegían los mejores para exponerlos en "El muro de la fama". Como es obvio, mi primera obra no fue expuesta pero deseabas poder colgar tu cuadro y mirarle orgullosa pensando que realmente lo habías hecho bien. Acepté el reto.

La siguiente obra que nos expusieron tenía caos, ira, circunferencias todas inacabadas, líneas verticales y en diagonal... Era verdaderamente extraño, pero parecía que la idea principal se había colado dentro de mi mente. El resultado de esos rayones diagonales de fondo sobre las semicircunferencias y líneas verticales fue esta pintura: 

Ejercicio. Con tizas (blanca y roja)

Fue uno de los elegidos para "El muro de la fama". Comprendí que cuanto más movimiento, más caos, más confusión intentabas introducir en el cuadro, mejor se transmitía a los ojos de los demás.

Añadir leyenda

El resultado de la obra anterior fue esta pintura. Realmente no guarda mucha relación con la obra de Towmbly pero creo que el concepto de caos se puede observar en el resultado de esta pintura:

Ejercicio. Con tizas de colores.

Imagen Copiada de http://barrachunky.wordpress.com/

Debo reconocer que este obra ha parado por muchas etapas... tiene capas y capas de pintura porque no acabe de comprender lo que debía plasmar. Es curioso como comienzas con una imagen en la cabeza que representar para que después con el tiempo acabe siendo una obra completamente diferente a lo que originalmente querías pintar, este es un ejemplo. Confieso que las líneas centrales negras están realizadas con los ojos cerrados porque mientras las hacia solo veía en mi mente la obra que debíamos imitar inicialmente.

Bradley Walker Tomlin American, 1899-1953
No 1-1951, 1951 óleo sobre lona.  78 x 42

Otro pintor del que conocimos sus obras fue  Bradley Walker Tomlin (1899 - 1955) estadounidense. Viajó a Europa, donde recibió la influencia del trabajo de los postimpresionistas, y sobre todo de Picasso y Braque. En 1936 su estilo se modificó en contacto con el dadaísmo(se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte, antecedente inmediato del surrealismo) y el surrealismo(es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional) Posteriormente se decantó por la pintura abstracta como el cuadro que representamos:

Tras exponernos la fotografía de la derecha. Se trataba de ir tejiendo con líneas horizontales, verticales y curvas una especie de tapiz, muy meticuloso y laborioso. 

El resultado de mi trabajo fue la siguiente pintura.  

Ejercicio. Con tizas de colores.

Nunca pensé que en la carrera de arquitectura hubiera una asignatura como esta, en la que puedes desahogarte, ensuciarte y divertirte tratando de conocerte a ti mismo.